|
Сходил на мастер-класс, который давал Марчин Дылла в рамках фестиваля. Мастер-класс состоял из трех частей: три студента, три пьесы, примерно по сорок минут каждому. Формат стандартный: студент играет пьесу, маэстро слушает, хвалит, а потом рассказывает как можно улучшить исполнение. Вообще говоря, студенты играли очень хорошо, для неискушенного слушателя, вроде меня, придраться было не к чему. Но нет предела совершенству, и маэстро каждый раз находил, что можно улучшить.
Первый студент играл очень нежную лиричную пьесу - в духе "нашего времени" из программы второго курса. Эта часть была для меня самой интересной - потому как самой понятной и родной. Маэстро говорил о необходимости петь. Он даже рассказал, как все его учителя, - от самого первого в музыкальной школе, до профессора в консерватории, - говорили о том, как важно петь, а он соглашался, но рекомендаций не выполнял. И лишь когда закончилось его обучение, и он остался предоставленным самому себе, он осознал, что лишь через пение можно понять, как строить фразы. Итак, для того, чтобы быть в состоянии что-то сыграть, необходимо уметь это спеть. Работа над фразой всегда начинается с ее пропевания. Попеть, выбрать адресатов, динамику... И только тогда, когда голосом получается стабильно исполнить фразу, можно браться за инструмент. Также маэстро показывал, как фразы можно соединять. Каждая последующая фраза должна логично соотноситься с предыдущими, и желательно, чтобы это не звучало банально. Еще он говорил о том, что в музыке все относительно. Форте только тогда будет форте, когда есть пиано. Но если всё играть на тишайшем пиано, то даже небольшое увеличение громкости может оказаться чрезмерным - нужно выбирать такую громкость, чтобы оставалось пространство для ее варьирования в обе стороны (в контексте конкретной пьесы, конечно).
Второй студент показал что-то очень сердитое и напористое. Пьеса начиналась с басового аккорда за которым следовали две ноты в верхнем голосе пунктирным ритмом. Тут Марчин показал, как сделать это вступление еще более напористым: аккорд он предложил играть быстрым арпеджиато, затем снимать его и сделать пунктир более резким. Он очень наглядно показал разницу между арпеджиато и неарпеджиато: в одном случае он чуть привстал, сыграл все ноты одновременно и очень основательно уселся на стул; а в другом - сыграл арпеджиато, крепко схватил гитару и всем видом показал, что готов вскочить и бежать вперед. Этакая наглядная демонстрация разных настроений. Также маэстро сказал важную вещь про напряжения: очень сильное желание сыграть форте, может привести к чрезмерному напряжению мышц. В первую очередь от этого страдает точность движений. Об этом необходимо помнить и не допускать.
Третьей пьесой было Фанданго из цикла "Три испанских танца" Хоакина Родриго (Марчин, глядя в ноты, спросил, написано ли тут по-русски "танцы" и, получив утвердительный ответ, сказал, что это неправильно, должно быть "Три испанских пьесы", поскольку вторая пьеса, - Пасакалья, - это не танец). Тут исполнение было безумно виртуозным, причем было видно, что исполнитель получает настоящее удовольствие от каждой сыгранной ноты. Для меня третий студент был из того класса музыкантов, глядя на которых вообще непонятно, как живой человек может так играть. Однако тут маэстро рассказал, что, на его взгляд, эту музыку так исполнять не следует. Во-первых, фанданго - это танец с характерным ритмическим рисунком, и этот рисунок необходимо строго выдерживать. А во-вторых, это испанская музыка, а испанскую музыку, как его учили, нужно играть как можно более грациозно. И он привел два примера: как матадор убивает быка и как двигаются танцоры фламенко.
В конце были вопросы из зала. Вопросов было немного, ровно один: как маэстро работает над тремоло. Каков вопрос, таков и ответ: чтобы ответить на этот вопрос, нужно знать, что именно не так с этим приемом у вопрошающего. И в качестве борьбы с одной из самых распространенных проблем, он предложил поиграть ipma вместо pima, для того, чтобы "принять p в команду к ima".
|
Вход
Регистрация
FAQ
Поиск
Пользователи
